First of all, I would like to apologise to my faithful readers (aka my hordes of fans). I know each and every one of you cried inconsolably upon realising that something was missing in your lives last week, and soon noticed that I hadn't uploaded anything to this blog. I'm not gonna attempt to make excuses about how busy I am with school, or how I was sick for two weeks (thanks Lillian!), or how difficult it is to balance a college life. I'm just gonna shut my mouth and start writing.

In the past couple of weeks, I've found myself in a few conversations trying to defend or explain a posture that I've held for a while, but that no one had really questioned before. A few years ago, soon after starting with the electric bass, I decided that talent as we know it doesn't exist. It's a myth, a construction that we made up to justify our lack of work and discipline and to protect us from feeling jealous of people with a great ability.

Just to clarify, what I mean by "talent" is the innate skill supposed of people who excel at any activity that normally requires practise or knowledge (usually both), especially at a young age. In this case, because it's the subject I know the most about, I am referring to musical talent.

My friend Fil is a violinist, pianist and composer. She's been playing for almost 20 years, and by the time she turned 20 she'd played with Rod Stewart, Michael Bublé, Gladys Knight and the Trans-Siberian Orchestra. Fil has always been called a prodigy, someone with an exceptional talent. One day, Fil confessed to me that she actually hated when people told her how talented she was, after breaking her back for hours every day to reach that level of musicianship. How easy it would be, to be born with the gift of virtuosity and not ever have to practise. But what Fil really has is a lot of discipline.

Discipline, unlike virtuosity, is something we can grasp a lot more easily. We all know what discipline is, and consider ourselves (at least in theory) capable of it. We've all been through something that required all of our discipline. Some of us have a predisposition to discipline, due to our circumstances (our education, family, etc.) or our genetic makeup. But I think the difference between the talent of "being disciplined" and "the gift of music" is immediately evident. My point is that the advantages we can gain innately thanks to genetic variation or our cultural upbringing are not nearly enough to justify the idea that someone was "born to make music".

Music is art. This is a point that seems rather subjective and very difficult to justify, and unfortunately my argument kind of depends on it, and I will have to rely on the reader's experience. What I mean to say is that art, arguably the most advanced form of expression humans are capable of, demands every single skill that can be cultivated. Art requires physical dexterity, aesthetic and emotional sensibility, a good ear, discipline, analytical thinking, pattern recognition, cerebral and muscular memory, concentration, playfulness... art is a complex enough activity that there is no way a human could possibly be born with all of the aptitudes it requires.

Granted, not all artists possess all of these skills, and few perfect any of them at all, but I believe a complete aesthetic can be constructed by taking advantage of our genetic or circumstantial strengths, and working at patching up the holes. For example, someone with great hand-eye coordination might be considered to have talent, but that is not enough to be a good musician, and they would need to train their ears, analyse music, practise theory, etc. Personally, I don't think I have that particular talent, and I don't intuitively know how to play and instrument, but I have a good ear and am able to look for sounds and patterns in music and understand what is happening, and despite this I've been able to reach a decent level through practise (after all, as I tell people, there is simply no way you're not gonna get better if you keep doing it). Of course, there's always the possibility that I'm wrong, and this is just my own way of dealing with those classic artist moments when I think my own talent is minimal or nonexistent.

Some more information about how it's repetition and not genetics that makes your brain and the rest of your body understand how to play music can be found in Daniel Levitin's book, "This Is Your Brain on Music", which I highly recommend.


1. If you're reading this blog post, you might have read my previous posts. If you read my previous blogs, you may have been wasting your time, because you could have been reading a much better blog, such as Click Opera, a blog formerly written by Momus.

2. Last Wednesday, the day before his 50th birthday, Momus updated Click Opera for the last time, ending his blogs after 6 years of almost-daily updates. So today, I want to talk about Momus.

3. Momus' real name is Nicholas Currie, and he was born in Scotland. When he was a child, he moved around with his family to Greece and Canada, beginning his custom of never remaining in a place for long. Since then, Momus has lived in Aberdeen, London, Paris, Tokyo, New York (what what!) and, since 2006, in Berlin. Momus is a true neonomad and his work is clearly influenced by his involvement in different cultures and ways of life.

4. Besides his blog, Momus has written for Wired and the New York Times, put out 24 albums of pop music, produced Japanese artists such as Kahimi Karie and The Poison Boyfriend, and also has a performance art career. This year, Momus published his first two books. Momus lost eyesight in one eye after washing his contact lens with tap water in Greece, and wears an eyepatch.

5. Something that I've always found interesting about Momus is that although most of his output has been musical, I feel like his real artwork is his whole persona, incorporating his music, art and novels but also his blog, website and interviews. Momus has managed to build an interesting, interconnected world around himself with certain common themes and references across different media, and I feel that makes him into a uniquely complete artist.

6. Momus seems to have had a head start in publishing his entire life on the internet, and the amount of information that can be found about him is impressive. All of his albums are available for free online if you look well enough.

7. My friends and I spent about three months almost exclusively dedicated to Momus. We would look for and listen to his music, watch videos and interviews online, read his blog and his essays and get together with the sole purpose of talking about him. Momus is by far the most listened-to artist on my last.fm page (http://www.last.fm/user/parchessS), ahead of the Beatles by almost 800 plays. Momus knows about all this, and I've wondered before how he feels about it.

8. Momus has a complicated relationship with popular culture. He seems to want to study it intensely, immerse himself in it and find its most profound content, and yet never quite embrace it, keeping a distance in order to observe. Despite having released over twenty albums of pop music, Momus is by no means a popular musician.

9. Momus is a peculiar, eccentric character. Sometimes I wonder how much is genuine and how much is calculated. Sometimes, when reading his blog, I would realise that besides being a genius, deep and wise, he is also a perverted old man that's slowly but irremediably losing touch with the times. I always wondered why he would get so defensive in the comments section of his blog.

10. Momus is so interesting to me because he always seems to be two steps ahead. When I discover a new artist, thinker or idea, Momus seems to have walked that road and come back long ago, and generally reaches a conclusion that's different from mine.

Here are some of my favourite Momus-related links:

His Wikipedia article - http://en.wikipedia.org/wiki/Momus_(artist)

His website - http://imomus.com/

His blog - http://imomus.livejournal.com/

His articles for Wired: http://www.wired.com/culture/lifestyle/commentary/imomus/2005/11/69429

His lyrics: http://www.phespirit.info/momus/

Six of his first albums for free download: http://www.ubu.com/sound/momus.html

An hour-long interview: http://www.youtube.com/watch?v=n0bJV6VtNKY

His latest (2008) album: http://www.filestube.com/13202190ae9a424b03e9/go.html

An old interview: http://www.robertjarrellart.com/words/interviews/html_files/momus_interview.html

A great essay on Haruki Murakami and Superflat: http://imomus.com/thought280600.html

His column for the New York Times: http://tmagazine.blogs.nytimes.com/author/nick-currie/

A conference on blogging: http://www.ustream.tv/recorded/4105106

Every concert I have ever been to.

This is a list, as far as I can remember, of every single concert I've been to in my short life. Artists in parentheses are opening acts. Concerts with asterisks are some of my favourites. I wish I could write a little about each one, but for obvious reasons I won't.

Limp Bizkit
The Strokes (The Sounds)
Blink-182 (Panda)
Apocalyptica (x2)
Café Tacvba (x a lot) *
Sizu Yantra
Molotov (x4 ó 5)
Kinky (x3)
Babasónicos (x3)
Zoé (xIdon'tcaretoomany)
La Maldita Vecindad
Los Amigos Invisibles (x2)
Los Músicos de José
Los Liquits
Natalia Lafourcade/La Forquetina (x3)
Los Fabulosos Cadillacs
Andrés Calamaro
Calle 13
La Gusana Ciega
Azul Violeta
Austin TV (x2)

Some from the Vive Latino festival:
San Pascualito Rey
División Minúscula
Quiero Club
Jarabe de Palo
Botellita de Jerez
Los Pericos
Sussie 4
Los de Abajo
Los Abandoned

Radiohead (x2 * Kraftwerk + half a set at Bonnaroo)
Red Hot Chili Peppers *
Daft Punk *
Trey Anastasio & Mike Gordon with Benevento/Russo Duo *
Benevento/Russo Duo (Prefuse 73)
Andrew Bird
Panic At the Disco
The Flaming Lips *
Nine Inch Nails
Blue Man Group
Joe Satriani/Steve Vai/Robert Fripp
Dream Theater
Dave Weckl/Peter Erskine
Yoshida Tastuya/Antonio Sánchez
Aarón Cruz with Agustín Bernal/Quodia
Dean Bowman (x2)
Screaming Headless Torsos
The Killers
Squarepusher (Evan Parker)

Some from Bonnaroo:
Les Claypool & His Fancy Band
Phil Lesh & Friends with John Scofield
Umphrey's McGee (x2, North Mississippi All-Stars)
Disco Biscuits
Sound Tribe Sector 9
String Cheese Incident
Bright Eyes
The Mars Volta
Smashing Pumpkins
The Locust
Stanley Clarke/George Duke
Mike Gordon
dios (malos)
Muna Zul
John Medeski
The Magic Numbers

John Zorn
Ikue Mori
The Good, the Bad & the Queen
Damon Albarn
Devendra Banhart
The Rapture
Trevor Dunn
Cat Power
Joan as Policewoman
Emir Kusturica & the No Smoking Orchestra (Los Shajatos)
Goran Bregovic
Kronos Quartet
Ensemble Intercontemporain
Yo-yo Ma
Mischa Maisky
Orquesta Filármonica de la UNAM (x2 or 3)
Tambuco (x3)
Radar (música de Stockhausen)
Medeski Martin & Wood (x2 Cabezas de Cera)
Medeski Scofield Martin & Wood *
Béla Fleck & the Flecktones (x3 Jonas Hellborg, Agustín Bernal, Bonnaroo)
McCoy Tyner
María Rita
Chick Corea con Carles Benavent, músicos españoles
Christian McBride Band
John Scofield with Steve Swallow, Bill Stewart
Dave Holland
Yann Tiersen
Bobby McFerrin
The Tiger Lillies

Since moving to New York:
Flying Lotus
Vic Chesnutt with Guy Piccioto and Godspeed! You Black Emperor
Do Make Say Think
Sean Lennon improvising
Rain Machine
The Horrors
Miles Benjamin Anthony Robinson (Holly Miranda, Cymbals Eat Guitars)
Portugal the Man
Dirty Projectors (Tune-Yards)
Imogen Heap (Tim Exile, Back Ted-n-Ted)
Phish *
Julian Casablancas
Gang Gang Dance
Vampire Weekend (Titus Andronicus)

Tonight, I'm going to see Yeasayer again, and I currently have tickets for:

Yoko Ono (with Sean Lennon, Yuka Honda, Eric Clapton, Cornelius and Thurston Moore)
The Magnetic Fields

I feel like I must have left a few out, so if you remember going to a concert with me that's not on the list, please comment and let me know!

We're all geeks these days.

1. "Murmuren vívoras" ("Whisper, you snakes") is a phrase I've always enjoyed seeing on bumper stickers on Mexico City buses. I'm not exactly sure what it means, but I imagine truckers are referring to the fact that, regardless of what people say about them (that they drive like assholes, that they pick their noses), they are the best.

2. "Murmuren vívoras" is what I imagine Steve Jobs would be thinking these days if he were a Mexican trucker. Whisper, say that the iPad doesn't support flash, that it's only a big phone, that it doesn't have a camera. The truth is within the next couple of years, the iPad will be an indispensable gadget for everyone, and you will have one.

3. I remember when I first started exploring the internet, almost ten years ago. I used an IBM computer running Windows 95, and I used Netscape as my browser. I used a dial-up modem and it would sometimes take me ten tries to connect. Although the web had been up for a few years, the browsing experience was very different from today's. There were a lot less pages (you could not find anything you could possibly imagine online), content was much less dynamic (and slower... remember GeoCities' predetermined CSS?) and ads were much more annoying and intrusive, appearing through pop-ups and pop-unders. Also, consumers were much less informed and more prone to be scammed, get viruses or get into a collective panic.

4. The small internet was an interesting community, at least in my age range (I used to talk to people 10-18 years old). There was a lot of curiosity about kids in other parts of the world, and communication was clumsy and very, very nerdy. The internet was crucial for me in learning English, and one of my first nicknames was Chaos (because my sentences were confusing and hard to understand). In order to avoid culture shock, we would talk about things like video games and Digimon. Especially Digimon. It would take me days to download new episodes in Japanese, and I would often watch them with no subtitles. Long before Facebook or Twitter, we communicated through Java chatrooms or forums like ezBoard.

5. At that time, geek jokes and memes (such as All Your Base Are Belong To Us) already existed, and new technological and web developments caused great excitement.

6. When I first started using the web, my mom would not let me spend more than one hour a day online. These days I am at the computer for no less than six hours a day, and I'm permanently connected through my iPhone. I am completely addicted to the internet, and experience withdrawal syndrome when I can't connect.

7. In the December issue of Wired magazine, long time geek columnist GeekDad claimed that "geeks have finally won", and I believe this is absolutely true. In the last ten years, being a geek has gone from a point of ridicule, to not only acceptable but actually cool. Geek glasses are the new sunglasses, and rappers collaborate with comic book artists. Steve Jobs' (a strong contender for Leader of the geeks) announcement of the iPad had more mentions in the media than Obama's State of the Union address.

8. The internet has completely revolutionized every single media industry: music, journalism, video, print and video games. 250,000,000 iPods have been sold since its release in 2001. That's 57 iPods per minute, for 9 years. Millions of people care about whether the new Apple device has Flash support, or what data network it can connect to.

9. Technology news and social networks have evolved greatly and have become part of everyday life. The web is a constantly evolving organism, and its growth is still accelerating.

10. These days, we are all geeks. Geeks have quickly but quietly taken over the world. I wonder if sometime in the future, the internet revolution will be replaced by something else, and human interaction will go back to the real world.

Obama and Eminem killed hip-hop.

So, I know a few of you have been using Google Translator to translate my posts to my Spanish blog, equipobazul.blogspot.com/. And that's very nice, but sometimes the translations aren't very good, and so I've decided to write my posts in both languages. So from now on, this blog will be exclusively in English. 

Don't worry about the title, I'm not about to get hopelessly political. My blog is mainly about the music world.

So, if you followed my epic saga on the history of record producers, you might have gotten an idea about the history of popular music in the twentieth century. If you didn't, then it's a fair (if debatable) generalization to say that the evolution of the sound of popular music can be described as a series of responses and backlashes between the black and white musical communities in America (with some help from Britain).

Hip-hop is probably the last great movement that came from a transgressive (yes I nicked Jason's word. you might see a lot of that) black community. It was created on the streets, associated with graffiti and breakdance, and borrows from the black music canon (the funkiness) as well as the avant-garde (sampling, etc.), and it really represented a moment in black culture. It is a real genre. They don't make them like that anymore.

Hip-hop started in the 80s in some of the black neighbourhoods in this country, and became popular with the infamous Coast Wars, which brought us the bling aesthetic. In the beginning, hip-hop was created and consumed by lower-class black people, and the movement was linked to gang wars and other illegal activities (not to mention the intrinsic legal problems of sample-based music).

However, something strange happened in the 90s. Hip-hop became popular among a young, white, middle-class audience, a demographic previously dominated by alternative rock. This explosion in the genre's popularity brought about things like Eminem (the best selling artist of the past decade), and created a bridge between this newest expression of black culture and the mainly white mainstream American culture. The problem, in my opinion, is that with this popularization, hip-hop became a caricature of itself and lost all of its credibility as a medium of expression and as a social movement. I'd like to say it stopped being representative of black culture. Before coming to live here, I might have thought that it was.

What I'm saying though, is that I don't think that's the case. Jay-Z married Beyoncé. It seems to me that black people have bought into this image of themselves, and have internalized the stereotyped in exchange for a little peace. Obama seems to be some sort of symbol for the official end of racism.

I don't want to get into how true this is, because I'm not in a position to talk about the state of racism since the beginnings of hip-hop, but I can say that this type of attitude is what allows movements such as the hipsters, a cultural realm in which black cultured is borrowed from but not really credited, a characteristic of previous musical genres developed by white people.

I'm not saying hip-hop is entirely dead. There is still an alternative hip-hop scene, with people like DOOM, Madvillain or J Dilla, but I haven't found in current music a real grassroots attempt to counterbalance white electronic rock (I don't want to call it hipster music), and I don't think there's a precedent for that in popular music. Maybe it's too soon to tell, or maybe black culture has really been assimilated into pop culture. Maybe before there can be a true answer, the internet will open the door for musical sources from other countries, and the next black movement will be some kind of afro-brazilian reggaeton from the future. Something more or less like N.A.S.A.

Thank you for reading this. Please feel free to comment, correct me, insult me or discuss whatever, and keep watching this space.

Historia del Productor: George Martin

George Martin ha sido llamado el quinto Beatle. eso ya lo sabían. pero se han preguntado porqué? pues me vale verga, yo les voy a decir.
George Martin (Sir George Martin, para los cuates) nació en 1926, 14 años antes que John Lennon. A los 17 años, se enlistó en la marina. Por suerte, la guerra terminó antes de que lo mandaran. Así que a los 20 años, con una beca del ejército, se metió a la Guildhall School of Music and Drama en Londres (el mismo lugar donde estudió Dave Holland y seguramente un vergo de gente), donde estudió música clásica.
Después de la escuela, Martin se metió a trabajar en Parlophone, una rama de la disquera EMI muy poco importante, y en 1955 heredó la disquera cuando su jefe se retiró. Martin se dedicó a producir y grabar sesiones de música clásica, y discos de comedia como los de Peter Sellars.
En 1962, Brian Epstein (que también ha sido llamado el quinto Beatle) le llamó a Martin e insistió en enseñarle un demo de Los Beatles. Al principio, no le parecieron nada espectacular, pero los firmó a la disquera con un contrato en el que la banda recibiría un centavo de cada disco vendido, para repartirlo entre los cuatro. Meses después, George Martin decidió cambiar el contrato por iniciativa propia para doblar las regalías de los Beatles.
George Martin fue una influencia clave en todas las etapas del desarrollo de los Beatles, y su papel en el sonido de la banda está subvaluado. Martin servía como puente entre la creatividad bruta y el sonido final, y tuvo que inventar sobre la marcha dozenas de técnicas y trucos con los micrófonos, con las máquinas de cinta y con la mezcladora. Por ejemplo, cuando a John Lennon se le ocurrió preguntar porqué tenía que grabar dos veces un track de voz para tener eco, a George Martin se le ocurrió repetir el mismo track pero ligeramente desfazado, inventando el flanger. De hecho, Martin le puso el nombre al flanger cuando Lennon le preguntó cómo funcionaba el efecto. Sabiendo que Lennon no iba a entender ni merga si le explicaba, le dijo:
"we feed your voice through this and that and treat it with a double bifurcated sploshing flange which then doubles up your voice"
Martin también es responsable de iniciar a la banda en los elementos de la música clásica que definieron su sonido a partir del Rubber Soul. George Martin tuvo la idea de hacer un arreglo de cuerdas en Yesterday, siendo la primera grabación de una banda de rock sin instrumentos de rock. Aunque las cuerdas y elementos orquestales habían sido utilizados desde el Tin Pan Alley y hasta Motown, Martin inventó un nuevo idioma que era innovador en ambos campos, y que usaba los instrumentos como los colores principales del arreglo en lugar de adornos. El trabajo de arreglo y composición en Eleanor Rigby, por ejemplo, en donde Martin hizo todo excepto la letra y la melodía, probablemente le ameritaría un crédito de escritor junto con McCartney hoy en día.
Además de ser un innovador sin precedentes en los campos de arreglo e ingeniería de sonido, George Martin terminó de definir el papel del productor actual en 1965, cuando se dio cuenta de que no era millonario a pesar de que había producido todos los hits de los Beatles. El problema era que hasta entonces, los productores eran contratados por sesión y se les pagaba una cuota fija, o un sueldo. A Martin no le pareció, así que renunció de EMI y fundó su compañía, Associated Independent Recordings (AIR) en donde empezó a exigir regalías del material que producía. Eventualmente construyó un estudio en un paraíso tropical a la orilla del mar para grabar a todos los artistas que producía su compañía, hasta que vino el Huracán Hugo y se lo llevó.
Así que, muchachos, cuando se pregunten quién es George Martin, recuerden: ¿qué serían los Beatles sin las innovaciones tecnológicas y los arreglos orquestales? 

Historia del Productor: Berry Gordy y Brian Wilson

Phil Spector era todo en uno: un hombre de negocios, millonario, prodigio, genio musical y alma torturada. Pero no todos los productores pueden llenar tanto espacio a la vez. Berry Gordy y Brian Wilson fueron influenciados y compitieron en su época con diferentes aspectos de la gran sombra de Spector.
Berry Gordy nació en 1929, diez años antes que Spector. En 1959, fundó en Detroit la disquera Tamla Records, sinónimo con el sonido (y eventualmente absorbida por su disquera hermana con el mismo nombre) del Motown. Eventualmente creció para convertirse en la compañía más grande del país fundada por negros.
El Motown consolidó la música negra que estaba cayendo del favor del público gracias a la popularización (y sanitización) del rock 'n' roll. Su sonido era una mezcla de los estilos del R 'n' B, Gospel, Doo Wop y los principios del Funk. El timbre se caracteriza por el uso de limitadores para controlar el rango dinámico de la voz, uso extensivo de ecualizadores, y la atención al detalle de Gordy, que muchas veces pedía doce mezclas de un sencillo que "audicionaba" en diferentes aparatos reproductores para escoger la mejor.
Gordy tomó el modelo de producción en línea de las fábricas de hits de Spector y el Brill Building (del cual tal vez escriba), pero en lugar de tener artistas genéricos intercambiables, Gordy invertía en el desarrollo completo de sus artistas para darles largas y fructuosas carreras. Los artistas de Motown firmaban los derechos de sus canciones, eran manejados por la compañía de Gordy y grababan en sus estudios (Hitsville, USA), además de obviamente sacar sus sencillos a través de las disqueras de Tamla-Motown. Además, tomaban clases de coreografía y de cómo comportarse en el escenario y en el público con la maestra de etiqueta, Maxine Powell. 
Berry Gordy ha sido criticado por sus éticas cuestionables respecto al manejo y las finanzas de sus artistas, y hay aspectos de la compañía que aún permanecen en secreto. Se dice, por ejemplo, que muchas de las líneas de bajo legendarias del Motown que se le atribuyen a James Jamerson en realidad fueron grabadas por Carol Kaye, una chica blanca que tocaba con Spector y Brian Wilson, entre muchos otros.
Sin embargo, el desarrollo integral que les daba a sus artistas y su particular sonido, así como su asociación con los principios del movimiento de los derechos civiles resultó en carreras larguísimas y muy importantes como la de Marvin Gaye, Stevie Wonder, The Four Tops, The Temptations, etc.
Brian Wilson tomó otro aspecto de la figura de Spector: el genio musical/alma torturada. 
Wilson nació en 1942 y empezó en su adolescencia una banda con sus hermanos y su primo como bajista, tecladista y vocalista. Tomando la comercialización total del rock 'n' roll, los Beach Boys empezaron con la moda del surf, pero pronto el genio de Wilson era demasiado para un estilo tan limitado.
Así que se tomó unos ajos y se volvió loquito. Después de escuchar el Rubber Soul, Brian Wilson se metió la idea de que él era el genio gringo que tenía que competir con los Beatles. Empezó a extender los limites del estilo de los Beach Boys y a presionarlos y exigirles cada vez más. Tomó elementos del sonido de su ídolo Phil Spector y empezó a sacar composiciones cada vez más complejas, como Wouldn't it Be Nice?
Su clímax creativo llegó en 1966, cuando pasó más de seis meses componiendo, arreglando y grabando su obra maestra, Good Vibrations, seguido por el LP Pet Sounds. Su disquera aprovechó el éxito de estas grabaciones para anunciar el siguiente disco de los Beach Boys, Smile, antes de que Wilson empezara a componerlo.
Sus crecientes problemas mentales causados por las drogas y su obsesión con el detalle de sus piezas le impedían trabajar en sus obras cada vez más complejas. Finalmente, Brian Wilson se dio por vencido después de escuchar Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band en 1967, le concedió la victoria en su competencia ficticia a los Beatles y se dedicó a ser un loco de tiempo completo.
Con el tiempo, Brian Wilson logró recuperarse y volver a la música, pero su tiempo había pasado. Con un poco de educación musical y menos drogas, tal vez realmente hubiera logrado una carrera del nivel y Lennon y McCartney. 

Historia del Productor: Phil Spector

Pues mi examen es mañana, y acabo de terminar de estudiar la parte más extensa hasta ahora del curso, sobre todo por toda la música que nos pusieron a escuchar para estar parte. La idea era que al final quedara grabadísimo en nuestra cabeza el sonido de la técnica de grabación legendaria de Phil Spector, el "Wall of Sound".
Tengo que admitir que a mí me costó un huevo lograr distinguir el sonido. Escuchaba y escuchaba las canciones, pero me parecía muy difícil diferenciar el estilo particular de Phil Spector del sonido general de las grabaciones de principios de los 60s. Eventualmente me di cuenta: el sonido de Phil Spector ES el sonido de las grabaciones de principios de los 60s.
Phil Spector nació en el Bronx en 1939, pero lo crió su mamá en Los Angeles, donde empezó a tocar la guitarra en bandas de jazz con sus amigos. En 1958 tuvo su primer hit con "To Know Him is To Love Him", que vendió más de un millón de copias.
Después de eso, regresó a Nueva York para trabajar y aprender de los compositores/productores Lieber & Stoller (de quien podría también escribir un blog, y tal vez lo haga). Pronto, el genio de Phil Spector como músico, productor y hombre de negocios se dio a notar, y antes de cumplir 21 Spector ya era un millonario con su propia disquera fundada en Philadelphia, Philles Records. Tom Wolfe escribió un artículo sobre Spector llamado "The First Tycoon of Teen" en donde ponía al productor como la epítome del movimiento de los adolescentes en los 60s, al mismo tiempo que su genialidad lo ponía en un nivel aparte.
Si John Hammond Jr. y Sam Phillips fueron pioneros de la figura del productor moderno, Phil Spector no sólo es un ejemplo clave del establecimiento de esa figura, sino que trasciende las barreras usuales del título y se convierte en el centro del proceso creativo, empezando la tradición del productor como genio/auteur que ha continuado por casi 50 años con artistas como Brian Wilson, Brian Eno, Danger Mouse, etc. Phil Spector era la estrella de su disquera, y veia a los artistas como herramientas intercambiables de sesión en sesión, produciendo bandas genéricas como The Crystals, The Ronettes, The Righteous Brothers, etc. Spector tenía la mala costumbre de poner mal los créditos en sus sencillos, por lo cual es difícil saber exactamente quién tocó en qué sesión.
Spector también extendió la imagen del artista inestable y peligroso al productor, con su legendaria ira y sus costumbres de llegar a su oficina en una limosina con guardaespaldas, oentrar al estudio con una pistola que a veces usaba para amenazar a músicos como John Lennon o los Ramones. A sus 69 años, Phil Spector está sirviendo una sentencia de 19 años de carcel por el supuesto asesinato de una actriz
El sonido característico de Spector, el Wall of Sound, era el resultado de tener a veces decenas de músicos tocando juntos en un estudio pequeño con paredes altas. Una sesión podía tener dos baterías, cuatro bajos, cinco guitarras, una sección de vientos, y cuatro vocalistas todos tocando juntos. Por supuesto, los sonidos de cada instrumento se colaban en los micrófonos de todos los demás instrumentos, y Spector experimentaba por horas con la colocación de diferentes micrófonos y músicos en el cuarto hasta obtener el sonido que tenía en su cabeza. Después de la sesión, pasaba días regrabando y mezclando la canción. A pesar de que la grabación y mezcla en dos canales ya era común en esas épocas, Spector se rehusaba a dejar el mono. Estas son las características de ese sonido saturado en bajos, rico en armonías y lleno de pequeños detalles que tal vez ustedes también identifiquen como el sonido de principios de los 60s. Spector prefería concentrar todas sus energías en un sencillo a la vez, aunque esto no era tan raro en el mundo antes de Sgt. Pepper y los albums conceptuales.
En 1966 Phil Spector firmó con Ike & Tina Turner, la pareja más exitosa del RnB en ese momento, para producir lo que él consideraba su obra maestra. El sencillo "River Deep - Mountain High" rompió récords en el costo de producción, pero inexplicablemente no tuvo éxito. Decepcionado con la industria, Phil Spector se retiró de la música.
Hasta 1970. Los Beatles estaban a punto de separarse, y su manager Allen Klein le llamó a Spector para rescatar las sesiones fallidas del album que se iba a llamar "Get Back". Spector re-produjo el album haciendo cambios considerables y lo convirtió en Let It Be. Paul McCartney se enojó un chingo como ya sabemos, y años después sacó el Let It Be... Naked quitando todo el trabajo de Spector. Pero a John Lennon y George Harrison debió gustarles su trabajo, porque ambos lo invitaron a trabajar en sus discos solistas. Phil Spector produjo el album triple All Things Must Pass de Harrison (escúchenlo si no lo han hecho), y los dos discos de Plastic Ono Band de John Lennon y Yoko Ono, además del sencillo (y rola de cajón del Christmas Concert del Edron) Happy Xmas (War is Over). En 1973, su relación con John Lennon se terminó durante la grabación del disco Rock 'n' Roll cuando Phil Spector llamó a más de 70 músicos para una sesión, llego dos horas tarde vestido de karateca, y le apuntó a Lennon con una pistola. La neta, yo también me hubiera emputado.
Desde entonces, Phil Spector se ha vuelto cada vez más ermitaño y un personaje mítico, lleno de controversia. Pero a pesar de su extraña conducta, Phil Spector sigue siendo un modelo del productor como un artista completo que desarrolló una voz personal, y su sonido ha sido una influencia importante para productores y artistas como Nigel Godrich, Dave Fridmann e incluso Dave Sitek. 

Historia del Productor: Sam Phillips

Bueno pues continuando con mi estudio para mi examen el jueves, el día de hoy quiero escribir sobre Sam Phillips, el fundador de Sun Records, quien descubrió a Elvis y a Johnny Cash, además de rockeros de los originales como Jerry Lee Lewis (Great Balls of Fire?), Carl Perkins, etc.
Sam Phillips nació en 1923 en algún lugar del sur del país donde vivo. No sé exactamente dónde. Como no tenía dinero para ir a la universidad, se metió a la industria del radio en los 40s como DJ, y ahí aprendió los principios de la ingeniería de audio.
Después de la guerra, con la recuperación de la economía y la accesibilidad de la tecnología militar para el público, Sam Phillips compró unos aparatillos y puso un estudio en Memphis en 1950 en donde por dos dólares podías entrar y grabar un par de canciones. Al principio su equipo era portátil y lo llevaba para grabar bodas y eventos. Como la industria musical estaba basada principalmente en las ciudades del noreste, el estudio de Phillips en Memphis resultó ser lo más conveniente para los artistas de blues y de country del sur, y el estudio fue adquiriendo su reputación por grabar artistas como B.B. King y Howlin' Wolf. En 1952, Phillips expandió su negocio y fundó Sun Records, una disquera independiente de R&B y Country & Western.
Un bonito día, un chofer de camiones entró al estudio con la excusa de grabar dos canciones para el cumpleaños de su mamá. En realidad este muchacho de 20 tenía toda la intención de ser descubierto y producido por Phillips. Resulta que el chamaco este era nada menos que Elvis Presley.
Elvis logró ganar la atención de Phillips en la sesión por ser justamente lo que el productor estaba buscando: un artista auténtico que pudiera mezclar el sonido de la música negra haciéndolo accesible para el público blanco. De cierta manera Phillips estaba llevando un paso más las ideas de John Hammond Jr.
En 1953 Phillips llamó a Elvis para una sesión con dos músicos experimentados, pero después de horas de pasar por todo el repertorio del cantante sin dar con un sonido satisfactorio, Phillips sugirió una vieja canción de C&W llamada "That's All Right". En esa misma sesión, Phillips inventó la técnica de delay con cinta que le dio a Elvis su eco característico, y que se usó por más de diez años, hasta la invención de unidades dedicadas de delay en los 70s.
Phillips lanzó a Elvis al mundo, pero el peso de tener una estrella de ese tamaño fue demasiado para la disquera independiente, que pronto se encontró con problemas de infraestructura (había demasiada demanda para sus discos, pero no había capital para imprimirlos). Phillips se vio obligado a vender el contrato de Elvis a RCA en 1955.
Aún con el éxito de Johnny Cash, Sun Records nunca logró recuperarse después de Elvis, y eventualmente Sam Phillips se retiró de la industria. Aunque su carrera fue relativamente corta, Sam Phillips fue uno de los productores más influyentes en el sonido del rock 'n' roll, y una figura icónica como uno de los primeros productores auto-suficientes (ingenieros, dueños de disqueras, A&R, dueños de estudios) que vio claramente lo que le faltaba al mercado, experimentó hasta que lo encontró, y lo distribuyó por todo el país. 

Historia del Productor: John Hammond Jr.

Tengo todísima la intención de terminar la segunda parte del blog sobre los micrófonos. Pero también desde hace mucho tengo ganas de escribir sobre los productores de los que he aprendido en mi clase de Record Producer as a Creative Artist, y el día de hoy sucede que estoy repasando todo el curso para mi examen parcial el jueves. Así que aprovechando para estudiar, voy a empezar con eso.
Primero tengo que decir que mi clase de Record Producer as a Creative Artist trata de definir la historia y el desarrollo de la figura del productor a lo largo de la música popular del siglo veinte. Tal vez en otra ocasión escriba una introducción a los tipos de productores, pero esta vez voy a escribir sobre uno de los primeros pioneros de la producción musical, a quien muchos consideran el no-músico más importante en la historia de la música.
Tal vez nunca hayan escuchado su nombre, pero seguramente han escuchado el resultado del trabajo de John Hammond Jr.
John Hammond nació en 1920, hijo de padres ricos y blancos en Manhattan. Su mamá era pianista y Hammond empezó en la música desde los cuatro años, tomando clases de piano y violín, y después dejándolo por la viola en la universidad. Pero la música clásica nunca fue lo suyo, y desde chavillo Hammond se fugaba con los 15 sirvientes de su casa a los clubs de jazz y blues en Harlem. Hammond era un hombre blanco y rico con una sensibilidad verdadera para la música negra en un tiempo en el que esa música era considerada de segunda mano.
A principios de siglo, la forma de música popular que dominaba el mercado era el Tin Pan Alley, un estilo desarrollado por un grupo de autores e imprentas de música que tomaba elementos del jazz y del blues y los hacía accesibles a un público familiar de blancos.
John Hammond Jr. era conocido por su escrupuloso trato de todos los artistas, pero especialmente los negros. Como era rico, renunciaba a todas sus regalías porque decía que eran del artista por derecho. En 1933 Hammond rompió la barrera racial por primera vez en un disco, cuando grabó a la banda del clarinetista blanco Benny Goodman con Billie Holiday.
En 1938 Hammond organizó en el Carnegie Hall el concierto "From Spirituals to Swing", una retrospectiva de la música negra que logró establecer el estatus legítimo de la música negra en el canon de la música popular. Este concierto es considerado uno de los puntos más importantes de su carrera.
Hammond estuvo activo en la industria por más de 50 años, hasta su muerte en 1987. A lo largo de su carrera se asoció principalmente con la disquera Columbia donde sirvió como jefe de A&R (Artist & Repertoire, o sea la rama que se dedica a encontrar, firmar y desarrollar nuevo talento), y se distinguió por ser uno de los productores ejecutivos y figuras más respetadas en la industria, especialmente por su reputación de nunca olvidar sus principios firmemente de izquierda.
Algunos de los artistas más destacados que firmó Hammond tomaron tiempo en ser reconocidos como verdaderas leyendas, especialmente en el caso de Aretha Franklin y Bob Dylan, que le generaron mucha controversia y crítica en su momento.
Hammond no era un gran conocedor de la tecnología de grabación, incluso al grado de oponerse a nuevas técnicas de grabación. Incluso hay quienes no lo consideran un productor en absoluto por su falta de habilidad en el estudio, pero Hammond sin duda influyó en la creación de la figura del productor como emprendedor, como influencia en el desarrollo como y sirviente de una visión artística.